個展プランをつくる 7: 《Assemblage in Resin》

アッサンブラージュの「可能世界」

アッサンブラージュとは「世界」を「可能世界」と捉えた上で<再構築>するための技法である。

「宇宙」と「世界」

「宇宙」は言葉を語る以前に、既に「無秩序」で「無限」なものとして存在している。その散逸した宇宙をそのままダイレクトに脳にインプットし、生活というアウトプットを行うなんてことは我々の「有限」な脳には不可能な芸当だ。たとえ薬を使用したり瞑想を駆使したりして、処理能力を一時的、もしくは恒常的に拡張できたとしても、我々の脳の処理能力には限度がある。よって我々はそんな<無秩序>で<無限>な「宇宙」に<秩序>と<有限>を導入し、それを「世界」と呼ぶことで何とか生きながらえている。しかしこのままでは話が抽象的過ぎて分かりにくいので、その「世界」の縮小版として例えば「都市」について考えてみよう。「都市」とは人間の脳の認知空間の表象だ。その「構造」、「機能」、「ルール」は建築物、道路、標識といった具体的な物質や情報的なスクリーンを通して具現化している。信号機の点滅、エスカレーターの速度、排水性のアスファルトなどは全て何かしらの「構造」、「機能」、「ルール」に従って構築される。その結果として都市空間のUX/UIが限りなく進化することで、人間は無意識的に知覚されたアフォーダンスの恩恵を受けることになる。つまり「都市」は人間の脳にとって快適であるように、「宇宙」という<無秩序> + <無限>を改変した結果出現した<秩序> + <有限>な「世界」の一部であると言える。

アッサンブラージュ

宇宙 (無秩序、無限) → 世界 (秩序、有限) → アッサンブラージュ (可能世界、秩序、有限)

しかしそんな世界に対する「可能世界」(反実仮想、事実の反対)を考えてみる。<無秩序>と<無限>を<秩序>と<有限>に変換する際に重要なのは、先程も挙げた「構造」、「機能」、「ルール」の三つの要素だ。そして「可能世界」を考える際には一度その世界の「構造」、「機能」、「ルール」を全て解体した後に、<再構築>することが必要になる。つまりアッサンブラージュで使用する素材は一旦その「構造」、「機能」、「ルール」の全てを放棄することになる。そして一度「世界」から切り離されてバラバラになったその素材を、もう一度別の「構造」、「機能」、「ルール」の元に構築し直す。もちろんそれは現実の「世界」に対して有効に機能するか否かは問題ではなく、ありえたかもしれない別の「可能世界」としての可能性を提示すれば良い。そのようにして<再構築>されてできあがった作品が一見<無秩序>に見えることもあるだろうが、それらの素材の選別という過程を経ている以上、そこには何かしらの<秩序>が生じているはずだ。このようにアッサンブラージュとは世界を「可能世界」によって<再構築>するための技法なのである。

「引きこもり」な人々

ところでアッサンブラージュの先駆者かつ代表的な作家としてはジョゼフ・コーネルが挙げられる。彼のアッサンブラージュの箱の作品は素晴らしいものだが、そこにはやはり「世界」を<再構築>して箱の中に閉じ込めておきたいという欲望が感じられる。一方でズジスワフ・ベクシンスキーは個人的なフェティシズムを極限まで探究した画家と言える。彼の作品は日常的な世界を徹底的に遮断した上で閉じている。ここでジョゼフ・コーネルとズジスワフ・ベクシンスキーの共通点を挙げるとするならば、彼らは2人共「引きこもり」な生活を送っていたことだ。開くこと、接続することを過剰に求めてくる「世界」に対して、彼らの在り方と作品はそこから一定の距離感を保ち、閉じること、切断することの意味を問いかけてくる。閉じなければ見えないものがあり、切断することで見えてくるものがある。自分の制作にもこのような「引きこもり」の美学という原点があるが、世界に対して適応できないまま開くことで、もう一度閉じることに対する可能性を探究したいのかもしれない。万能感の病理とその破綻によって<再構築>された「世界」は、もう一度尽きないフェティシズムによって結晶化する。

アッサンブラージュのアップデート

ではここで現代的なアッサンブラージュのアップデートについて少し考えてみたい。最初に断っておくとこれは今回の作品とは無関係であり、断片的なアイディアの羅列になるだろう。まず最初に思い付くのは、アッサンブラージュのボトムアップ的な手法は、情報技術とも相性が良いということだ。インターネットのシステムや一時期流行した創発の概念はボトムアップを主軸として考えている。さらにアナログなものを前提としていたアッサンブラージュに対し、インターネットを通過し、それ以降のXR (VR、AR、MR)、3Dプリンター、仮想通貨、ダークウェブ、バイオ技術などを応用した可能世界の<再構築>には何か可能性がありそうにも感じる。もしくは宗教儀式、ファッション、分子ガストロノミーなどもテーマとしては面白そうだ。この辺りの素材をまず、ボトムアップ的に手探りで光を照射することによって、何かしらの輪郭が見えてくる可能性はある。

《Assemblage in Resin》

今回の作品である《Assemblage in Resin》に関しては、自分の身近な範囲で手に入る素材、もしくは購入できる素材に限って使用した。この作品を作る上で最も難しかったポイントは、枠組みが一番大きいので、今までで一番多くのレジンを一度に使用したこと。これを失敗すると標本箱とレジンの再購入をする金銭的、時間的余裕がなかったので、今回は完全なる一発勝負だった。一番心配だったのが素材として木片を使用したのだが、木片の中には水分もしくは空気が入っている可能性があり、今までの経験上その場合は熱で暴発し全てが気泡に包まれて失敗してしまう可能性があった。なのでそれ以外は使用する素材を無機質なものに限定しており、木片の配置に関しても暴発したとしても大丈夫であろう場所を狙って配置した。また他のスペースや裏側にレジンが漏れ出さないようにテープで固定してからレジンを注ぎ込んだ。結果として暴発は起こったが、その規模と気泡の発生の仕方はある程度自分の望み通りだった。またレジンは最後まで固まり、漏れもほぼ防ぐことに成功した。当初の予定では全面をレジンで覆い隠すようにしようか迷ったが、この作品に至るまでに様々な失敗をして残りレジンが少なかったことと、素材が半分程度露出していた方が見栄えが良い気もしたのでその可能性に賭けた。この《Assemblage in Resin》が完成した時点で、ひとまとまりの作品としてもようやく完成。全体を通して慣れない素材を使用しての制作だったが、何とか完成して良かった。

個展プランをつくる: 連載記事リンク

個展プランをつくる 1: 《Chain in Resin》

個展プランをつくる 2: 《QR Code in Resin》

個展プランをつくる 3: 《Magnets and Ironsand in Resin》

個展プランをつくる 4: 《Flower on Starfish》

個展プランをつくる 5: 《Blood and Needle in a Small Bottle Surrounded by Screws》

個展プランをつくる 6: 《Fragments of a CD in a Small Bottle and Seaweed in a Light Bulb Surrounded by Dry Flowers》

個展プランをつくる 7: 《Assemblage in Resin》

個展プランをつくる 8: 《A Specimen Box as a Self-Portrait》

個展プランをつくる 6: 《Fragments of a CD in a Small Bottle and Seaweed in a Light Bulb Surrounded by Dry Flowers》

CDという名の化石

光学ドライブの不在

CDは化石と化した

2018年である現在、そのことに異論を唱える者はほとんどいないだろう。自分の環境を振り返ってみても、家で使用しているiMacには光学ドライブが存在しない。当然iPhoneなどのスマホやiPadなどのタブレットには光学ドライブに相当するものなど付いていない。つまり円盤を再生するためには、外付けのドライブを購入するか、ノートパソコンを利用するしかない。これが何を意味するかと言えば、基本的にPCを利用することのないスマホ/タブレット世代はCDを含む円盤を再生する手段すらないということだ。使用できないものは存在していないに等しい。つまりCDは誰もが認めるように、既に化石である。

空気化する音楽

音とは波である

その波形をデータとして物理的な媒体に収録したものがCDということになる。つまり重要なものは元々データなのであって、CDはただの入れ物に過ぎない。一度リッピングしてしまえば用済みだ。しかしそのリッピングすら面倒くさいので、ダウンロードが流行する。しかし次第に人々は気付き始める。データはアクセスできれば良いのであって、所有する必要などないということに。かくしてストリーミングが流行し、音楽は空気となった。空気であるということを悲観する必要はない。何故ならそれは必要なものであり、いつでも自分の周辺を漂っているものだからだ。

マニアと物質性

もちろんこの動きに対する反動も登場する。CDは完全なるマニア向けのグッズとして、物質性を再度強調しながら局地的に復活する。アナログレコードブームはこの流行の延長線上に位置付けられるだろう。それと同時にハイレゾ音源というCDのクオリティを超えたとされる音源も一部で流行する。これはCDの規格である44.1 kHz、16bitを超える情報量が入るものを指すが、収録内容によっては必ずしも元のクオリティを超えているとは限らない。このような流れを受けて制作した作品がコンペで賞を受賞した『Unexpected Echoes』であり、ハイレゾ音源としても制作しているし、一方でアート的な文脈におけるインスタレーション作品として物質性を強化した作品にもなっている。

《Fragments of a CD in a Small Bottle and Seaweed in a Light Bulb Surrounded by Dry Flowers》

《Fragments of a CD in a Small Bottle and Seaweed in a Light Bulb Surrounded by Dry Flowers》では、『Unexpected Echoes』のCDを破壊した欠片を小瓶に詰めている。破壊の方法は洗面器にお湯を入れ、ハサミで切り刻むという方法を使用した。切り刻まれたCDの欠片は情報の再現性を失った純粋な物質となり、CDという媒体は小瓶の中に埋葬されることになる。またその小瓶の隣に横たわる電球は白熱電球を象徴化したものであり、その中に封入した海草は環境問題を象徴化している。何故なら白熱電球は環境問題から使用を制限されてきており、いずれ失われて化石となるものの象徴だからである。カセットテープの復刻版が流行したように、白熱電球もいずれ復刻版が流行することになるだろう。人は失われて化石化したものにノスタルジーを感じ、富の象徴として収集したがるものだ。そしてこれらの化石化した物質をドライフラワーで包み込むように埋葬した。化石は一度死ぬことによって始めて、タイムカプセルの中に侵入する権利を得るのだ。

個展プランをつくる: 連載記事リンク

個展プランをつくる 1: 《Chain in Resin》

個展プランをつくる 2: 《QR Code in Resin》

個展プランをつくる 3: 《Magnets and Ironsand in Resin》

個展プランをつくる 4: 《Flower on Starfish》

個展プランをつくる 5: 《Blood and Needle in a Small Bottle Surrounded by Screws》

個展プランをつくる 6: 《Fragments of a CD in a Small Bottle and Seaweed in a Light Bulb Surrounded by Dry Flowers》

個展プランをつくる 7: 《Assemblage in Resin》

個展プランをつくる 8: 《A Specimen Box as a Self-Portrait》

個展プランをつくる 5: 《Blood and Needle in a Small Bottle Surrounded by Screws》

「フェティシズム」について

「アート」と「フェティシズム」

「アート」と「フェティシズム」には切っても切れない関係がある。「フェティシズム」とは個人的な好みの偏り、つまり「倒錯した偏愛」のことだ。この言葉は元々「対象に対する性的倒錯」を指す言葉なのだが、現在では「性的」であるかどうかに関わらず広く使用されている言葉であるように思う。なのでここではその慣習に従って、「フェティシズム」を広義の意味で使用する。ここで「アート」に話を元に戻すと、「アート」は個人的な偏愛を通してしかアウトプットできない。これは一見そのようなものと完全に切り離された作品を作っていると思われがちな、田中功起や落合陽一に関しても当てはまることだ。何故なら田中功起は「コンセプト」に対する「フェティシズム」を持っているし、落合陽一は「メディア」に対する「フェティシズム」を持っているからだ。そもそも「アート」を作ろうというモチベーションに、「フェティシズム」的な欲望がゼロである人間を想定することは難しい。

「フェティシズム」の源泉

そこでここに一つの疑問が誕生する。

「フェティシズム」は何故発生するのだろうか?

完全に個人的な仮説ではあるものの、知性が高い人の「フェティシズム」ほど他人に理解されないものが多くなってくる気がする。それは何故かと言えば、知性が高い人は抽象思考が得意であることに原因がありそうだ。抽象思考とは一見無関係な対象同士を結びつける能力のことを指す。であるならば、一般的には結びつかない物質や記号が頭の中で結びついてしまい、それらが報酬系や性欲の回路とも結び付くことで「フェティシズム」が引き起こされるのではないだろうか。ここで注意したいのは、たとえ知性の高い人の中に変態が多く含まれていたとしても、変態だから知性が高いとはならないということだが。

「ASMR」とドーパミン

個人的には「ASMR」と呼ばれる視覚や聴覚(個人的には聴覚の方が刺激が強い)を利用した刺激に強い「フェチズム」を覚える。これは恐らく瞑想と大周天の修行によって、目を閉じて1秒でドーパミンを出せるようになってしまったこととも関係している。特におでこの部分と、後頭部の斜め上側に対して想像上で刺激を加える(光が通過したり、滝の水が落ちて当たるなどのイメージを使用)と強い快感を覚える。「ASMR」の場合はそれと似たようなことを何もしなくても勝手にやってくれる感覚で、ヘッドスパ(炭酸含む)の体験も似たようなものだ。

最近は特にこの「脳タッピング」がお気に入り。

ただし「氷の咀嚼音」、お前だけは許さないからな。

《Blood and Needle in a Small Bottle Surrounded by Screws》

「箱庭」の入れ子構造

ここからは作品の話に移行する。<血>、<針>、<小瓶>、<捻子>。《Blood and Needle in a Small Bottle Surrounded by Screws》で使用されているそれらのモチーフは、いずれもV系的な要素を持っており、このジャンルにおいてはクリシェに近い表象である。そもそも「標本箱」というアイディア自体が「箱庭」的な有限で限定された空間を支配したいという欲望に貫かれているが、その「標本箱」に区切りを入れた上で、さらに<小瓶>の中に「箱庭」を作るという入れ子構造がここには構築されている。しかもその「箱庭」は<血>と<針>という痛覚を知覚させる素材で満たされており、それらは<捻子>という固定するための物質によって封印されている。つまりここでは「フェティシズム」とその封印が表現されているとも言える。

V系的なクリシェを集めた標本箱

元々のアイディアとしてはBvlgari Manのミニボトルの中身を<血>を入れ替え、レジンで固めるというものだった。しかし、瓶の密封が上手くいかずに水分と空気に反応して失敗してしまった。これは見た目的には中々面白いものだったので、とても残念。その代わりに瓶の形が気に入ったBvlgari Blackを購入して再度試そうとしたものの、箱のスペースにぎりぎり入らなかったために諦めた。試行錯誤の段階で購入したのに使用しない素材が出ると購入費が痛いが、これに関しては普通に日常生活で使用することにした。結果としては「ブランド的な商業主義は<血>で満たされおり、それは痛みを伴うが美しい」というタイプのコンセプトから、より自分の内面に近いコンセプトに移行したので良かった。それにしても「V系的なクリシェを集めた標本箱」というのは「フェティシズム」と興味をそそられるテーマであり、それを主題にした作品もいつか作ってみたいと思った。

個展プランをつくる: 連載記事リンク

個展プランをつくる 1: 《Chain in Resin》

個展プランをつくる 2: 《QR Code in Resin》

個展プランをつくる 3: 《Magnets and Ironsand in Resin》

個展プランをつくる 4: 《Flower on Starfish》

個展プランをつくる 5: 《Blood and Needle in a Small Bottle Surrounded by Screws》

個展プランをつくる 6: 《Fragments of a CD in a Small Bottle and Seaweed in a Light Bulb Surrounded by Dry Flowers》

個展プランをつくる 7: 《Assemblage in Resin》

個展プランをつくる 8: 《A Specimen Box as a Self-Portrait》

個展プランをつくる 4: 《Flower on Starfish》

キメラについて

キメラ(動物と植物)/雑種

キメラは現在では動物のイメージが強いが、元々植物でも使われていた言葉が動物に適用された言葉である(動物の場合は類似概念にモザイクがある)。例えば動物で言えばギリシア神話のキマイラがキメラの由来になっているが、実際には不完全ながらも(免疫系に拒絶反応が起き、最終的には死に至る)ニワトリとウズラのキメラは存在している。一方で植物で言えば「接木キメラ」はキメラの一種であり、異なる遺伝情報が接ぎ木の接触点に混在することになる。またキメラは雑種と混同されやすいが、両者は定義上違う個体を指す。具体的にはキメラはあくまで同一個体の中に遺伝子の異なる細胞が混在しているが、雑種は細胞内の遺伝子が混じり合っているためにどの細胞を取り上げても同一の遺伝子のセットが入っているという違いがある。ちなみに雑種の例としてはライガー(父: ライオン、母: トラ)やラバ(父: ロバ、母: ウマ)などが挙げられる。

幻想標本と透明標本

ここで突然告白しておくと、江本創の幻想標本が好きだ。以下の幻想標本博物館では彼の幻想世界の住人としてのキメラに対する愛情が見て取れる。

幻想標本博物館: 江本創の世界

モモンガガエル、サイガメ、魚人間、四脚鳥、テガニ、ウミウマ

これらの生物はもちろん架空の存在であるが、同時にキメラそのものでもある。個人的には透明標本も好きなので、透明幻想標本があったら素敵だなと思うのだが、中々実現が難しいものなのだろうか。しかしこれらは幻想や透明であることもさることながら、標本という存在自体がフェティシズム的な欲望を刺激してくる。また別の観点から言えば今のメディアアート、バイオアートの発展を見ていると、幻想標本や透明標本に対して別のアプローチも取れそうな気もする。

《Flower on Starfish》

《Flower on Starfish》では、海岸で良く見かけるヒトデと散歩中に拾った花をキメラのように接続してみることにした。この試みは子どもの言葉遊びやままごとの延長線上にあるが、このように大人がその言葉遊びやままごとに真剣に興じてみること、もしくは科学的な想像力を科学とは全く違った場で使用することにアートの最初の萌芽がある。動物と植物のキメラというのはSF的な響きがあるが、この試みでは遺伝子とは無関係に瞬間接着剤を使用して接続しているので厳密に言えばキメラとは無関係である。にもかかわらずそのような接続には何かしらの想像力が刺激されるように思う。現代ではPhotoshopなどのツールを使用することで、2次元的に<視覚的なキメラ>を作り出すことは容易であるが、そもそもコラージュの発想の原点もキメラ的な想像力に支えられていると言える。そして今回のように接着剤を使用するだけで、3次元的に<視覚的なキメラ>を作り出すこともまた容易なことであり、VRや3Dプリンタなどの発展により3次元的に<視覚的なキメラ>の存在も身近になってきている。物理的なキメラと情報的なキメラ、キメラについて知れば知るほどそれは「弱さの象徴」であるように思えるが、異質なものを排除することは生き延びる上での生物的な最適解だったのかもしれない。

個展プランをつくる: 連載記事リンク

個展プランをつくる 1: 《Chain in Resin》

個展プランをつくる 2: 《QR Code in Resin》

個展プランをつくる 3: 《Magnets and Ironsand in Resin》

個展プランをつくる 4: 《Flower on Starfish》

個展プランをつくる 5: 《Blood and Needle in a Small Bottle Surrounded by Screws》

個展プランをつくる 6: 《Fragments of a CD in a Small Bottle and Seaweed in a Light Bulb Surrounded by Dry Flowers》

個展プランをつくる 7: 《Assemblage in Resin》

個展プランをつくる 8: 《A Specimen Box as a Self-Portrait》

個展プランをつくる 3: 《Magnets and Ironsand in Resin》

制作と批評

『石版を丸呑みする回転木馬』

サドとマゾのための磁石

この詩は以前発表した『石版を丸呑みする回転木馬』という詩とリトグラフの大喜利アートブックに収録した一編の詩である。これは説明するまでもなく「磁石におけるS極とN極が引かれ合う性質をサド(S)とマゾ(M)の惹かれ合う性質」に重ね合わせて接続したものだ。またこれは今更説明するまでもないことかもしれないが、そのような批評的な説明が先にあってこの詩が生まれたわけではなく、何も考えずに生まれてしまった詩を解説するためにどのように言語化すればスッキリするのかと考えた結果、このような解説が生まれたという順序になる。よって自分としては制作した差異には無意味/無自覚であったものが、事後的に意味/自覚を獲得した順序になっており、そこには自分としても新鮮な驚きと発見がある。

制作と批評

ぐちゃぐちゃドロドロふわふわとしたカオス(混沌)を幾何学的な構造で構築するオーダー(秩序)があったとして、それを見た人が秩序を〈安全地帯〉として求めるのだとしても、最終的には混沌に帰還していくような嘘と真実が重なり合った〈虚実皮膜〉がそこにはある。

これは制作と批評を両方同時に行っている人間にしか分からないことかもしれないが、制作と批評は単純な両輪ではない。批評のロジックを単純に制作に適用した場合に悲惨な結果を招くことはあり、その逆もまた然りなのである。批評の前に制作がなければならないという順序は経験上正しい感覚が強いが、制作に対して言語化を上手く行えたとしても実際の作品が良くならないケースはあるし、作品に凄みがあっても言語化が全く追いつかないというケースはある。もちろん制作に必要な才能と批評に必要な才能は根本的に異なっているという事実もあるが、制作と批評にはそれだけではないもう少し捻った関係性が存在しており、それが一体何なのかは未だに謎に満ちた領域である。

磁石/砂鉄/磁性流体

磁石には惹かれる。

その理由が今まで良く分からなかったが、最近思い当たったのはアートや批評には磁石のような性質があるということだ。現実の世界を一旦切断し、異質なもの同士を再度接続する。アートや批評にはそのような性質があるが、これは磁石における反発と引き合う性質と重なり合っている。さらに磁石は磁場を発生させる物質として極めて科学的な物質でもある。自然界における四つの力は、重力、電磁気力、弱い力、強い力であるが、中でも電磁力は重力と共に日常的な身体感覚として体感しやすい力でもある。超伝導の実験は見ているだけで楽しいし、海で砂鉄を採取するのもハマるし、磁性流体のスパイク現象はとにかく格好良い。そのような思い入れから磁石/砂鉄/磁性流体を使用した作品は今までも作ってきたが、このような科学的な物質を使用しつつ、最終的には科学的な枠組みをアートや批評で乗り越えるような作品に辿り着きたいのかもしれない。たとえそれがオカルトやポエムと呼ばれようとも。

《Magnets and Ironsand in Resin》

《Magnets and Ironsand in Resin》では、第1層に磁石、第2層に砂鉄、第3層に磁石を配置し、レジン + 硬化剤 + 硬化促進剤を混ぜ合わせた液体を計4回流し込んだ。流し込む回数が増えると一度ミスしただけでやり直しになるので難易度が一気に上がるのだが、この場合も何度かやり直して何とか完成させた。この作品のチャームポイントは、一番上の層の硬化具合の妙でぼかし効果が出たことと、レジンを乾燥させる時に底にくっついてしまった広告の断片。単純に磁石にサンドイッチにされた砂鉄がどのような形態を取るのかには興味があったが、それに関しては反応しているかしていないのか微妙な範囲に留まった。というよりレジンで硬化しているので、砂鉄が変形することが難しいということだったのかもしれない。「動きの一瞬を永遠に止めておきたい」という欲望は写真的な美の探求と重なり合うところがあるのかもしれないが、自分としては最終的なアウトプットは2次元よりも多次元に展開していたいというフェティシズムがある。Dustin Yellinは主に健康上の理由でレジンのレイヤーからガラスのレイヤーへと制作の形態を移行したが、個人的にはあくまで絵画的な重層性とは別の重層性を探求したい。換気しつつのマスクとゴーグルと手袋をもってしても防げないレジンの有毒ガスに頭をクラクラさせながら、そんなことを思ったり思わなかったりしていた。

個展プランをつくる: 連載記事リンク

個展プランをつくる 1: 《Chain in Resin》

個展プランをつくる 2: 《QR Code in Resin》

個展プランをつくる 3: 《Magnets and Ironsand in Resin》

個展プランをつくる 4: 《Flower on Starfish》

個展プランをつくる 5: 《Blood and Needle in a Small Bottle Surrounded by Screws》

個展プランをつくる 6: 《Fragments of a CD in a Small Bottle and Seaweed in a Light Bulb Surrounded by Dry Flowers》

個展プランをつくる 7: 《Assemblage in Resin》

個展プランをつくる 8: 《A Specimen Box as a Self-Portrait》

個展プランをつくる 2: 《QR Code in Resin》

QRコード

開発/普及/化石

QRコードはいつか化石になるだろうか。

QRコードは元々日本のデンソーが開発したものだが、現在は日本よりも中国で爆発的な普及率を誇っている。理由としては決済手段として日本では現金決済が未だに主流である一方で、中国ではWeChatやアリペイと連携したQRコード決済が主流となっていることが挙げられる。開発と普及は同一のプロセスではないので、このように思わぬ場所で思わぬ普及の仕方をするという例は枚挙に暇がない。そういう意味である場所では化石と化したものが、ある場所では現役で活躍するということはあり得るし、QRコードが情報技術である以上どこかの未来の時点で完全に化石になる日が来る可能性はあるだろう。世界中の化石と化した大量のQRコード群(ゾンビQRコード)の中から、リンク切れではないQRコードを探し出し、スキャンすることで未来人が過去のデータを発掘するみたいな風景が一瞬脳裏をよぎったが、その時代には物質と情報を接続することが当たり前過ぎて、既にスキャンという意識すら消失していそうな気がする。

可変QR

ところでQRコードは自分で作成することが可能だが、その方法はツールを使用すれば至って単純である。最近は作品でQRコードを使用することが度々あったので、その時には以下の可変QRというサービスを使用していた。

可変QR

このサービスを使用するとQRコードを作成した後にリンク先のURLを変更したくなった際に、簡単に対応できる可変的なQRコードを作成することができる。

QRコードを作品に使用する際には、大抵音楽、映像、画像などのリンクに飛ばすようにしているのだが、このサービスを使用すれば後に気分が変わったり、対応させる情報を変えたいという場合に対応可能なので便利だ。ただし将来的にこのサービスが停止する可能性はあるので、その場合は自己責任で使用するか、契約期間の保証がある有料版を使用するべきかもしれない。

《QR Code in Resin》

そんなQRコードを化石のようにレジンの中に閉じ込めてみたいという欲望が芽生えたので、早速実行してみた。QRコードを単純に紙に印刷してしまうとレジンの透明感が薄れてしまうので、QRコードの印刷にはOHPフィルムという透明なフィルムを使用した。これは過去作品でレイヤー構造を表現するために、OHPフィルムを使用してイメージを重ねたことの応用でもある。一度半分程度で硬化させ、QRコードを印刷したOHPフィルムを配置し、もう一度樹脂と硬化剤などを注ぎ込んで硬化させる。ここで分量の微妙な差異により最初の層と2番目の層の色が変わってしまうなどの失敗を重ねつつも、一番透明感のあるものを選んだ。これを大量に制作して部屋にばらまくなどしてみたい気分にもなったが、趣旨とずれるのでその欲望を抑圧しつつひとまず《QR Code in Resin》は完成した。

もしタイムマシーンで過去に行くことができるなら、これをアルタミラ洞窟壁画が描かれた辺りの時代に大量にばらまいて世界線変動率がどの程度ずれるのかを観測してみたいが、残念ながら私たちは未来に進むことしかできない。

個展プランをつくる: 連載記事リンク

個展プランをつくる 1: 《Chain in Resin》

個展プランをつくる 2: 《QR Code in Resin》

個展プランをつくる 3: 《Magnets and Ironsand in Resin》

個展プランをつくる 4: 《Flower on Starfish》

個展プランをつくる 5: 《Blood and Needle in a Small Bottle Surrounded by Screws》

個展プランをつくる 6: 《Fragments of a CD in a Small Bottle and Seaweed in a Light Bulb Surrounded by Dry Flowers》

個展プランをつくる 7: 《Assemblage in Resin》

個展プランをつくる 8: 《A Specimen Box as a Self-Portrait》

個展プランをつくる 1: 《Chain in Resin》

個展プランをつくる

新芸術校で個展プランをつくるという課題が出た。具体的には以下の三つに取り組んだので、今回の記事からその経緯を連載記事としてまとめてみる。

1. 個展のコンセプト
2. 展示構成のビジュアル
3. メインの作品

1と2については後回しにするとして、今回の記事からは主に3のメインの作品についてできあがった部分から紹介していく。

「鎖」

思えば全ては「鎖」から始まった。

「The Chain Room」

話は2009年に自宅の自室で行われた個展、「The Chain Room」にまで遡る。その個展は当時引きこもっていた部屋を「Danger Keep Out」の黄色いテープで封鎖し、使っていた机と椅子を天井に張り巡らせた「鎖」で雁字搦めにして吊り下げた作品「思考」をメインとしたものだった。当時は「現代美術って何だか美味しそうだな」くらいのノリで、一応作品と呼べるようなものを作るのも、まとめて展示するのも初めてだった。引きこもりなので当然宣伝することも人を自室に招くこともなく、両親がチラ見したという実績が観客としてカウントできるかどうかの瀬戸際みたいな感じだった。それから美大に入ったり、辞めたり、アメリカの大学に編入したり色々あった。そしてアイルランドで展示を行った際も「鎖」を自分のスペースに張り巡らせ、パフォーマンスで髪をハサミで切り刻み、叫びながら作品ごとぶち壊し、ガスマスクを装着してランプを灯して外へ歩き出すみたいなことをして、アートを知らない一般人が感動して泣きながら抱きついてくるみたいなことがあった。

《Chain in Resin》

そして今、こうしてまた「鎖」と向き合っている。

縛られたいのか、解放されたいのか。マゾなのか、サドなのか。

恐らく両方なのだろう。それらの欲望が同時に存在していることは決して矛盾しない。そんな象徴的な「鎖」をレジンで閉じ込めてみる。防塵マスクとゴーグルを装着し、シリコンフレックスにエポキシ樹脂と硬化剤と硬化促進剤を混合した液体を注ぎ込む。閉じられた世界が無機的に硬化していき、それを美しいと思う。それにしてもこのレジンの高価さは何とかならないものか。数メートルや数十メートル単位で硬化できればもっと面白いものが作れそうに思うのだが、今は数センチ単位で限界だ。こうして「雁字搦めさ」が閉じ込められた透明なレジンを眺めながら、原点回帰の輪廻を繰り返していく。それが制作と呼ばれる行為なのだろう。

個展プランをつくる: 連載記事リンク

個展プランをつくる 1: 《Chain in Resin》

個展プランをつくる 2: 《QR Code in Resin》

個展プランをつくる 3: 《Magnets and Ironsand in Resin》

個展プランをつくる 4: 《Flower on Starfish》

個展プランをつくる 5: 《Blood and Needle in a Small Bottle Surrounded by Screws》

個展プランをつくる 6: 《Fragments of a CD in a Small Bottle and Seaweed in a Light Bulb Surrounded by Dry Flowers》

個展プランをつくる 7: 《Assemblage in Resin》

個展プランをつくる 8: 《A Specimen Box as a Self-Portrait》

100枚ドローイング展示・講評会

堀浩哉×黒瀬陽平

新芸術校の「作品を作る1」の授業では堀浩哉×黒瀬陽平によるレクチャーの後、100枚ドローイング展示・講評会が行われた。レクチャーの内容で興味深かった部分を幾つか抜粋すると、まず前衛という概念を疑うという部分。前衛が成り立つためには中衛、後衛がなければならず、それらが成立していない状態で前衛が存在するということ自体への疑念があったとのこと。その近代からポストモダンに接続される過程でこのような切断があったということが重要なのであって、結果としてその試みは流産し、失敗に終わったが、未だにその問題意識は消えていないという話。その延長線上の話でアーティストとしての岡本太郎やもの派の作品などがかなり否定的に語られていたが、こういう話は同時代を生きたアーティストにしか語れない部分がある。また1970年に催された大阪万博がその当時のアーティストたちにとって大きなターニングポイントであったことは確かだが、2020年に東京オリンピックを控え、2025年に再度大阪万博誘致へと動いている現在、その過去の出来事は決して他人事とは思えない。他にもかつて呼称すらされることなく、ジャンルとしても成立していなかったはずの表現や作品が現在サウンドアートやメディアアートという言葉で問い直され、囲い直されている現状については、それを引き受けた上で、現代に合わせてアップデートすることの大切さが語られていた。確かに本当の意味での前衛をやってしまったならば、最初はそれ自体に与えられる言葉すらないのは当たり前であって、前衛と呼ばれているものはその安全圏に安住しているという意味で既にぬるいのかもしれない。

100枚ドローイング展示

100 Sheets Drawing. #drawing #art #exhibition #sketch #follow

A post shared by NIL (@xmediaarts) on

100枚ドローイング展示では、自分の中で選択して淘汰しなかったドローイングを壁に貼り出し、淘汰されたドローイングをまとめて机の上に置いておいた。正直展示のことまで余り気が回っていなかったので、ガムテープで貼り付けたら講評中に何度かドローイングの一部が落下するなどしてしまった。場所に関しては意外とスムーズに決まり、特に争奪戦などもなく、棲み分けが自然とできていた印象。本当は本の状態にまとめて展示しようとも思っていたのだけれど、それは展示し終わってから自主的にやれば良いということで、このような展示形態になった。そもそもドローイングや絵のような平面のものを展示することが少なかったので、自分としては妙な感覚が残った

100枚ドローイング講評会

講評会では30人程度講評されたように記憶しているのだけれど、最後から3番目だったので待ち時間だけで相当消耗してしまった。待ち時間が長いと薄い緊張感のようなものがずっと続く感じで、中々辛いものがある。自分以外の講評を聞いているだけでも参考になったことは多々あったが、講評会では褒められるか厳しいことを言われるかよりも、どれだけさらけ出して、正面からぶつかり合うことができるかが大事。自分の講評について簡単にまとめると以下の3点になる。

・今までの経歴や活動の振り幅が大きく、それは面白い。

・絵よりはデジタルの作品の方が面白いが、方法論が明瞭なのは武器になる。

・淘汰した方のドローイングの方が、淘汰しなかった方のドローイングより面白い。

そもそも周囲の人を含めて大体デジタル作品か淘汰した方のドローイングの方にしか反応がなかったので、自分でも大体そういう方向になるのだろうなとは思っていた。そして3番目の淘汰したドローイングの方が〜についてはステイトメントでも言及していたことであり、そこに関してはその前提を踏まえて上手く殴り返していればもう少し発展性のある話になったかもしれない。1番目については結局カミングアウトの話であると思っていて、飲み会でも幻聴、幻覚を含んだ発狂の話や過去の話をして盛り上がったが、そういった要素を作品に盛り込むということに対して自分の中で近年明らかにセーブしている部分があると思う。というか初期に散々そういう作品をやってきたのと、日本では否定され続けて拒絶癖みたいなものが付いているのかもしれない。キャラに関しても上手くその辺を出せると良いのかもしれないけれど、これはこの1年の大きな課題になりそうだ。自分語りのような要素を濃く入れてしまうと、それは結局誰も否定することができないものになるし、一歩間違えると感動ポルノに近いものになってしまう。またカミングアウト的な作品は最初はインパクトがあっても毎回やっていると必ず強度が落ちるし、自分が自覚的にやるようになると客を興醒めさせる原因にもなる。今回自覚したのは自分は今完全にスランプの渦中にいるということであるけれど、得意不得意含めて割と早い段階で自覚できたのは結果として良かった。いずれにせよこれだけ成長にとって意味のある殴り方をしてくれる講評会というのは珍しいので、そういう意味でも貴重な体験だった。

100枚ドローイングへの道のり 6: 「突然変異とトゥルーエンド」 (ステイトメント)

批評とステイトメントの違い

100枚ドローイングへの道のりという連載記事の終わりに、木曜日に提出した「突然変異とトゥルーエンド」と題したステイトメントについて書いてみたい。今回は前回のアーティストステイトメントの講評と、批評家が書く批評とアーティストが書くステイトメントは書き方が違うということを念頭に書いた。簡単に言えば批評は歴史性や事実の確認なども重要だが、アーティストのステイトメントはそれよりも制作や作品に対するコンセプトを描き出す方が重要ということ。それに伴って文体も変わってくる。ステイトメントは説明的になってしまってもダメだし、余りにも詩的/私的で誰にも伝わらないポエムになってしまっても意味がない。なのでそうならないように気を付ける必要はあり、そんなことを考えながら勢いで一気に書いた。

「突然変異とトゥルーエンド」

最初は「A to Zの系譜」という100枚ドローイングのタイトルをそのまま付けていたのだけれど、ステイトメントを書き終えた後に内容に沿って「突然変異とトゥルーエンド」という名前に変更した。今回のステイトメントは遺伝的アルゴリズムが淘汰、交叉、突然変異の3種類あるという話と、バッドエンド、ハッピーエンド、トゥルーエンドという三つの物語の終わり方を紐付けつつ、最終的に「突然変異とトゥルーエンド」に何故自分が惹かれるのかということに焦点を当てて書いた。また淘汰するという行為が間違いを含む可能性、つまり淘汰されたものの中に素晴らしい物が含まれている可能性があるという話は、外れ値をテーマとしてきたアーティストとしては昔から継続した問題意識を引き継いでいると言える。読んでもらうのが一番早いと思うので、興味のある方は以下のリンクから読んでみてほしい。もちろん今まで連載記事で書いてきた100枚ドローイングとも対応しているステイトメントなので、そちらの記事の画像なども参照しつつ読んでもらえると、より深く何がやりかたかったのかを知ってもらうことができるかもしれない。

突然変異とトゥルーエンド

連載記事を終えて

連載記事としては今回で終わるが、講評会の様子と100枚ドローイングを本にする記事は後に書く予定。今後も制作の渦の中に身を置くことになるだろうけれど、少し心身のバランスを崩し始めていると感じているので、自分の中での生活習慣などを見直した方が良いかもしれない。後締め切り間際に着手する癖はそろそろ限界にきている感じもするので、課題は早めに取り組むようにしていこうと思う。課題以外にも取り組みたいことは山ほどあり、何を切り捨てて何を選ぶかは人生においてもシビアに考えていかなければならない。しかし今は少しだけ休みたい。また最近Twitterでは更新情報を主に流していて、インスタグラムでは遺伝したドローイングを引き続き掲載する予定なので、そちらの方もチェックしてみてほしい。

100枚ドローイングへの道のり: 連載記事リンク

100枚ドローイングへの道のり 1: A世代〜G世代

100枚ドローイングへの道のり 2: H世代〜K世代

100枚ドローイングへの道のり 3: L世代〜P世代

100枚ドローイングへの道のり 4: Q世代〜U世代

100枚ドローイングへの道のり 5: V世代〜Z世代

100枚ドローイングへの道のり 6: 「突然変異とトゥルーエンド」 (ステイトメント)

100枚ドローイングへの道のり 5: V世代〜Z世代

世代を経ての変化

今回で遂に100枚ドローイングは最後の世代を迎える。W世代までに使用していたスケッチブックの紙を全て使い切ってしまったので、X世代からは急遽コピー用紙を使用することに。一応サイズは全てカッターで裁断して揃えたが、紙がペラペラなのでこれまでとは感触がかなり異なる。またこの辺りの世代では子どもの頃に習っていた書道用具や、数年ぶりにまともに使用するアクリル絵の具を引っ張り出し、画材を少しずつ変えながらドローイングに挑んだ。当初の予定ではこの辺りでまた大幅なメディア変換や統合を行いたかったのだが、それは時間の制約上断念。ひたすら絵画的な図像を描くことに徹した。それでは早速、前回と同様にV世代〜Z世代のドローイングについて紹介していきたい。

100枚ドローイング (V世代〜Z世代)

V世代

テーマ: 世界観

評価基準: 強度

遺伝: V′

解説: V世代では今まで封印してきたアクリル絵の具を解放し、幾つかの異なるやり方でドローイングを行った。Vは紙に直接絵の具を垂らし、紙の上で色を混ぜた。V′は点描の手法で描いてみた。V″は今までに出てきたようなイメージを改めて絵の具で表現した。この世代では一番強度のあったV′を選択。

V

V′

V″

W世代

テーマ: 模様

評価基準: 迷いの無さ

遺伝: W′

解説: W世代では墨汁と筆を使用し、異なる模様を描いた。V世代の点描を引き継ぎ、模様にも迷いが無かったということでW′を選択。

W

W′

W″

W‴

W⁗

X世代

テーマ: パターン

評価基準: 一体感

遺伝: X′

解説: X世代は絵の具と墨汁をそれぞれ使用してドローイングを行った。X′、X″、X‴で迷ったが、絵の具と墨汁の一体感があったということでX′を選択。

X

X′

X″

X‴

X⁗

Y世代

テーマ: 自我

評価基準: 総合性

遺伝: Y

解説: Y世代は絵の具、墨汁、チャコールペンを使用して、自我をテーマに描いた。結果として顔のような図像が描かれたYを選択。

Y

Y′

Y″

Z世代

テーマ: A to Zの系譜

評価基準: 分かり易さ

遺伝: Z″

解説: Z世代はこれまでに遺伝してきた流れを系譜として描いてみた。結果的にA世代と似たようなパターンも出てきたが、細胞のようなイメージのZ″を選択した。

Z

Z′

Z″

V世代〜Z世代、全世代総括

V世代〜Z世代では画材の変化を含めたメディア変換のアイディアがなくなることも危惧していたのだが、何とか最後までそのルールは守ってドローイングを完結することができた。100枚ドローイングを改めて振り返ってみると、自分の強みと弱みがはっきりと現れたことが分かる。やはり平面はデジタル以外ではやりたくないし、立体的な時間と空間を持つメディアにもっと特化していくべきだし、コラージュはコンセプトのレベルでもっと深堀りできそうな気がした。このように自分についてより深く知ったり、意外なアイディアを見つけたりするのに100枚ドローイングは最適な方法であると思う。何はともあれ1枚につき平均20〜30分、1日20数枚ペースで、自分の無茶振り的な方法論に沿って100枚ドローイングを完成させられたということ自体が一つの達成であるはず。締め切りまでに完成させるというのは一つのスキルでもあるし、それだけでも価値はある。またこういった活動をさらに継続してやるのも選択肢としては考えられるだろう。とりあえず今は自分が何をやったのかを再考しつつ、次の作品制作に繋げていきたいと考えている。

100枚ドローイングへの道のり: 連載記事リンク

100枚ドローイングへの道のり 1: A世代〜G世代

100枚ドローイングへの道のり 2: H世代〜K世代

100枚ドローイングへの道のり 3: L世代〜P世代

100枚ドローイングへの道のり 4: Q世代〜U世代

100枚ドローイングへの道のり 5: V世代〜Z世代

100枚ドローイングへの道のり 6: 「突然変異とトゥルーエンド」 (ステイトメント)